Murakami no es animador pero está emparentado con el arte en sus diferentes ramas, en especial con la gráfica y el diseño, de tal modo que, los últimos años ha causado cierto revuelo (la prensa en su afán por catalogar todo lo llama "el nuevo andy warhol") por entrar en los sectores de mayor poder adquisitivo, difundiendo los elementos mas arraigados en el manga y anime.
Resignificados de tal forma que sus criaturas, intervienen en el mundo cotidiano, descolocándonos, como cuando de chicos nos regalaban esos muñecos sonrientes enormes, que eran mas altos que nosotros y nos provocaban pesadillas de todo tipo y color. Psicodelia en extremo, por sus formas amorfas y sus colores planos y saturados.
Cobró fama internacional en el 2003 rediseñando los bolsos de la firma Louis Vuitton---->acá con el director de la firma: Marc Jacobs)) una firma que acostumbrada a la sobriedad, de pronto se vió inundada por esto:
"Superflat Monogram"
Día Internacional de la animación
Segunda parte
Se estrena película de animación. Graciosa, en general con animales. Chicos corriendo, pero también se completa con varios gags para adultos. Todos contentos. Vamos al cine, compramos lo que hay que comprar y entramos, soportamos, un ritual para el cual la película está lejos de ser la estrella. Y para la salida prometemos verla en dvd: "para apreciar todo lo que nos perdimos"
Genial, pero no deja de ser UNA de las formas en que la que podemos "ver animación", la de la obra terminada. La animación está lejos de ser lo que pretende capturar.
La música, por ejemplo, puede ejecutarse en vivo, a medida que se desarrolla en ese preciso momento, la animación no ¿No? Ya veremos si es tan así. Pero en todo caso, puede presentarse como lo que tambien es: creadora de ilusión de movimiento.
Hoy en día, gracias también a la difusión y llegada que tiene internet, se están estableciendo otras formas de mostrar animación que no siempre concluyen en la proyección acabada. Y muchas veces, su propia fragmentación es la obra misma. Asi, nos encontramos con camaras puestas en escritorios de dibujantes en pleno trabajo, otros que buscan la sensación de movimiento, dibujando con arena en vivo. Aunque en definitiva, mas allá de lo que estén narrando en algunos casos, y en otros mas allá del efecto novedoso que busquen como parte de un espectáculo, queda en claro que la búsqueda de fragmentar el proceso de animar y develarlo como quien devela un truco, solo tiene sentido si se sigue poniendo en evidencia la mirada que tiene uno sobre lo que lo rodea y deja de ser un simple clase teórica sobre técnica.
Quizás no sirva para mucho mas que ser parte de una "novedad", pero sirve para desmistificar el aura de artista., casi mágico que persiste. Porque en definitiva, en la escuela te enseñan a leer y escribir de una forma, pero practicamente somos analfabetos de la imagen. Porque para abrir los ojos y mirar como debemos mirar, es preferible cerrar los ojos y sentir lo ves. O acaso cuando nos vamos a dormir, en nuestra cabeza, no nos invaden cientos de imágenes que muchas veces cuesta ordenar y procesar? Cómo podemos manejar todo eso?
Se necesita cada vez mas las miradas individuales, que capturen instantes, detalles, momentos, que cuenten historias breves, que salgan a dialogar. La animación no es solo de los animadores, le pertenece a cada uno que quiera y tenga curiosidad por expresarse de otra manera, de mirar las cosas, lo que ocurre desde otra óptica.
¿Qué hay de un fotografo cuando captura un instante? Su mirada está puesta, ensayando, probando, equivocándose, descartando rápidamente todos las instantaneas que no serán parte de la foto que sacará. Para así obtener la que resume, la que define y contiene lo que quiere transmitir. ¿Dificil? Leerlo es mas dificil, cualquier persona que mas o menos considera que está viviendo en este planeta, puede considerarse afortunado: ¡Puede llegar a transmitir algo!
No hay excusa, no es talento sino voluntad, la imperfección es necesaria y el resto es pura ilusión. Y si uno comienza a notar todos esos detalles, ese proceso mental que luego va conformando la ilusión de un movimiento, ahora si, sumada por las emociones que transmitimos en la acción que realiza el objeto, podemos entender que si, el sentarnos frente una pantalla es apenas, el final de un ritual.
Ahora si, me callo, y veremos que es lo que irá apareciendo por aquí. ¡Vayan pasando de a uno! (igual hay lugar)
Tuesday, January 02, 2007
Día Internacional de la animación - Fin de la primera parte.
Era inevitable que llegue a este punto, para hablar de esta hermosa película y ahondar una y otra vez sobre lo mismo. Salí del cine enamorado de Sally cuando la estrenaron apenas en pocas salas, allá por el año 1994 (un estreno silencioso pero al que le fue relativamente bien, con 150.000 espectadores, algo impensado para una película de stopmotion) al que fueron empapelando Buenos Aires de carteles con los diferentes personajes inscripta con alguna frase que lo describiera. Trece años después (¡ufffffffffffffffff!) me sigue pareciendo igual de buena y fresca, algo que no tiene "Corpse Bride", que para mi se pasaron de revoluciones y no se deja ver la imperfección que le queda tan bien al stopmotion y al verla parece, por la fluidez de su movimiento, una película interpolada con un software 3d.
Asi que me voy a limitar a la escena que elegí para postear, que es de mis preferidas y donde se expresa la duda constante de Jack para consigo, para lo que hace y su ir y venir constante entre vivir ofrenciéndole a los demás algo nuevo para sus vidas y por otro lado, la sensación frustrante de no poder encontrar nada de eso en si mismo. Porque pasa de no entender nada sobre los misterios de la navidad a saberlo todo. Esas dudas, puestas en un contexto de cuento de navidad, donde los cuentos navideños suelen expresar deseos y plantear mundos de amor y paz de la manera mas edulcorante posible, tiene otro peso (y por otro lado es un tiro por lo bajo a lo que la misma Disney promueve año trasaño)
Jack se enoja porque no puede entender lo que significa la navidad en el mundo que visitó, un mundo totalmente diferente al suyo, pero en el que había algo en común. ¿Cómo poder transmitir ese mundo de color, saturado, a un mundo donde predominan los tonos más apagados? En la escena se ve un paneo alrededor de la habitación, donde se ha recluido a reflexionar y experimentar (!?) para poder llegar a una conclusión que le permitiera ponerse en acción. Y uno ve esos frascos repletos de objetos sin sentido, y Jack, tan bien animado, modificando su postura para mostrar su enojo, sacudiendo la muñeca y repitiendo que no puede entender como esos objetos tan sencillos no le dan la clave, el secreto de lo que busca. Porque sabe que en esos detalles está la respuesta, pero no puede verlo. Camina, se persigna, de una de punta de la habitación a la otra, deja un libro en donde están todos aquellos cuentos sobre la navidad. Hasta que su perro Zero le trae su portarretrato y se ve a si mismo como lo que tiene que ser. Hacerse cargo y responsable, poniendo el cuerpo tal como lo hace Santa Claus en la navidad del "otro lugar" Él debe ser el Santa Claus de su ciudad. ¿Es así? Tan creido está de esto, su gente lo aplaude en las puertas, pero parecen ser los mismo que aplaudirían cualquier decisión que mas o menos les convenza. Es tan clara la imagen de Jack gritando "eureka" y encendiendo las luces de navidad en la silla electrica como Sally poniendo cara de "nooo, todo para atrás" Hay tantas buenas intenciones de un lado y del otro, y a la vez, tanto desastre por venir que no puedo dejar de sentirme identificado. Y si, solamente con buenas intenciones no alcanza.
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¡Y nos vamos poniendo oscuritos! Si bien Burton llevó el stopmotion a la primera plana (con lo casi epopéyico que significa aún hoy esto, técnica cara de animación para plasmar hoy en día en un film, más la casi nula existencia de este tipo de películas a nivel masivo, productores que no se la juegan en un circulo vicioso diciendo "la gente no está acostumbrada, técnica vieja y cara= no rinde" Y que recién ahora retoma el guante la factoría Aardman con "Chicken Run" o "Wallace & Gromit in The Curse of the Were-Rabbit" A otro nivel, paralelamente a Burton, masivamente venian apareciendo dos hermanos que estaban llevando al stopmotion a un lado hiperkinético y surrealista, tomando también la posta de su maestro Svankmajer.
"The quay brothers" (sí, son gemelos!) rompían la monotonía de MTV, realizando videos para bandas como Tool y "His name is alive" Por lo general los dos hermanos se encargan de la dirección, la fotografía, el montaje y el diseño, que en su caso, como verán es un pilar fundamental en el tipo de movimiento que recrean. Por un lado la fotografía, limitando espacios precisos, pequeños mundos que se relacionan con el todo a través de objetos que parecen perdidos en el tiempo, telarañas, paredes rajadas, elementos oxidados y criaturas que parecen formar parte de un mecanismo al cual no pudieron salir nunca, como si estuvieran atrapados en un loop eterno, con movimientos epilepticos que lo subrayan una y otra vez, como el movimiento hiperveloz de un colibri, y que en breves lapsos, se dispersan en secuencias de movimiento mucho mas naturales y cercanos a los de un ser vivo. El conejo que alguna vez fue conejo, o la muñeca con la que alguna vez alguien le dió vida al jugar. Es un mundo denso y poco agradable, como para verlo a cualquier hora y en cualquier momento. Pero si vamos predispuestos a disfrutar de pequeños poemas concentrados, pequeñas dosis de un veneno dificil de no aceptar. Sobre todo cuando el viaje se apodera del sueño de lo que alguna vez fue, de un pasado que se capta y se hace presente, no como recuerdo, sino como un instante mágico, de no color, que recuperamos para poder encontrarnos con todos ellos, objetos que alguna vez cobraron, tuvieron y les dieron vida. Y al septimo día, los quay brothers decidieron descansar.
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Y finalmente llegamos al final de esta primera parte, asi que tienen un buen rato como para torturarse hasta que llegue la segunda, que prometo será mas rápido de lo esperado. La idea del proximo es hablar y mostrar un poco de la "nueva animación" ¿A qué me refiero por "nueva? Totalmente arbitrario de mi parte, me voy a referir a muchas de lo que se está haciendo ahora que intenta salirse del cómodo y conocido circuito de la sala de cine, que está genial, pero hoy en día, pensarlo tan solo de esa manera es una pérdida de tiempo y una lástima, porque todavía hay mucha animación dando vueltas que no va a parar a ningún lado. Y por sobre todas las cosas, la animación se está haciendo y viendo en las fiestas, en las calles, en las casas y en el intercambio permanente que permite la internet. Asi que toda la info que tengan o conozcan, o que ustedes mismos hagan será bien recibida para ir armando y desparrarmar links en algunos parrafos, como para que se ordene un poco de como viene la cosa. El mail al que pueden escribir, como siempre es kinetoscopioblog@gmail.com
Y pensar que empezamos hablando de que se había celebrado el día internacional de la animación pidiendole a la gente que firme un papel para ser parte de un sindicato de la animación (!?) Me agarró sueño otra vez y es mi culpa. ¡Hasta la próxima!
Nunca le había prestado demasiada atención cuando pasaron por cable "Mi vecino Totoro"(Tonari no Totoro). Tiempo mas tarde vi uno de los primeros anime que se salian de la media infanto- guerra- mecha. Era "Porco Rosso". Y el que me hizo preguntar y abrir una puerta sobre otro cine de animación oriental (sí, mucho mas de lo que pudo haber provocado en occidente el impacto "Akira")
Miyazaki explota a sus animadores, no se habla bien de él cuando se trata de su equipo trabajando durante largas jornadas, animando en pequeños cubículos donde terminan totalmente alienados. (aunque para no faltar a la verdad, esa es una condición de trabajo de casi todas las producciones industriales del dibujo animado) Sin embargo, y sin justificarlo para nada, la obra refleja una mirada autoral como pocas en el cine industrial. Y otra vez tiene peso su recorte de lo cotidiano. Puede estar contando historias de ciencia ficción, de guerra o entrar en un surrealismo mágico, pero siempre apoyado en como sus personajes tienen que lidiar con hechos pequeños y concretos que los entremezclan ante cierta piedad y resignación, con un algo de esperanza, no barata, sino sostenida en que ninguno de ellos tiene otra forma de encarar las cosas. Asi es como la malvada de turno termina siendo una viejita que está para internarla en el geriátrico y donde su maldad en realidad funciona como una forma de expresar su constante búsqueda por sentirse acompañada. Esto que asi escrito suena muy a bajada de línea disney. Miyazaki no lo dice, toca los temas supuestamente escabrosos como una etapa mas de la vida, que en definitiva nos alcanza a todos. Hasta cuando creemos que somos inmortales.
El valor de la palabra tiene un peso en el discurso de los personajes que se sostiene aún cuando saben que luego serán engañados. Pero no por ingenuidad, sino porque ellos mismos caen en sus propias vacilaciones, no pueden escapar a sus propias dudas. Y porque no existe el malvado absoluto, y el camino transcurre por la propia experiencia, que nos hace confiar (o no) en la otra persona. De alguna forma, por propia experiencia apoya su confianza, en amigos (o no), equivocado (o no), sus películas se construyen y avanzan a prueba y error. No necesita protegernos en un mágico mundo de colores, sino que vivimos conciente de los riesgos. Así totoro, nuestro gato imaginario es mas que un personaje ideado para vender el próximo muñeco de peluche (que se venderá, claro) O el increible gatito de "Kiki´s delivery", que está lejos de ser el personaje que solo hará chistes y comentarios graciosos. Aunque sus películas mezclen diferentes elementos fantásticos, en el mundo de Miyazaki nada es mágico y los de afuera, son de palo. Aquí les adjunto un breve resumen de sus films, elijan su propia manera de abordarlo, mas allá de las propias preferencias, no tiene una sola película mala, después me cuentan.
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Neo Genesis Evangelion me revolvió la cabeza como ninguna otra serie de animación. Mucho tuvo que ver con cierta edad y momento de mi vida en la cual, una vez superado el "esta vez si, esta es la gran cosa luego de Robotech" era un cortar y dar de nuevo. Por empezar no hay héroes que salvan la tierra, Mas todo lo contrario, Shinji Ikari tiene terror a pilotear el Eva y la serie plantea todo el tiempo como escapar a su propio destino. La serie empieza como una mas del montón y con el correr de los capítulos, empieza a ocupar mas espacio la evolución psicológica de los miedos y crisis que se van desatando ante el misterio. Ya llegado los los últimos dos capítulos y luego la película, el tono es casi el de una sesión en un diván, donde cada personaje expone su caso. Y la película no hace mas que atacar tus sentidos, sin llegar a comprenderlo todo, uno recibe tanta carga visual planteados en formas de enigmas que de antemano uno tiene que verla con la predisposición de que es posible de que poco o nada encuentre una resolución que nos deje "tranquilos". Y muchas de esas dudas están basadas en la vida de cada personaje, en la posición que toman y la responsabilidad sobre sus actos. Algo de lo cual en mayor o menor medida como comenté al comienzo, en ese momento me estaba taladrando el cerebro. Al punto de caminar por la calle y no poder evitar las vinculaciones entre Rei Ayanami y mi vida, como veran, todo muy nerd y freakie, pero necesario. En dos horas y media que duran los dos capitulos de la serie y la película, uno pasa de el estado racional de estar contándole a un psicologo parte de tu vida a terminar tirado en ácido en medio de una explosión de imágenes, en donde se mezcla la ficción, con tomas en vivo, collages y resoluciones metafóricas donde el universo toma forma y se modifica. En la película definitivamente está tooodo mal, pero Evangelion no es lo que viene, es lo que sucede en este preciso momento. Imaginen los momentos previos a cuando el mundo de uno, nuestra cabeza, está por estallar. Eso es la película. Y donde no hay un enemigo previsiblemente visible, todo comienza a fallar y la búsqueda entonces pasa por otro lado. Otra vez, al igual que Miyazaki, una película industrial propone algo diferente al resto de los animes que terminan llegando a la pantalla grande. En este caso, la puesta de las cámaras se ubican en lugares extraños e incómodos, donde la sensación que predomina es vouyerista, escondidos y espiando, siendo testigos de lo que pasa delante de nuestros ojos sin ser protagonistas, contemplando el imaginario visual que se nos presenta. Es necesario ver la serie completa para disfrutar el film, pero quería postear un fragmento para que vean como acompaña la animación, que es mucho mas trabajada que en la serie regular y que transmite parte de este clima que quería compartir, cuando la vi por primera vez:
INTERMISSION Crumb mira desde afuera, Larkin mira desde afuera, Forbis mira desde afuera, Tilby mira desde afuera, Franquin mira desde afuera, Kricfalusi mira desde afuera. MIRANMONTY PYTHON
MONTY PYTHON *I*N*T*E*R*M*I*S*S*I*O*N*
ACTING -GESTOS -CARAS -DIALOGOS ABSURDO -ACIDO - ¿QUERES ANIMAR? monty python Mirar desde afuera es MONTY PYTHON
******************* BIEN ADENTRO, CHE! ********************
Fin del intermission.
Día Internacional de la animación -Primera parte.
Jack Kirby me produce ataques esquizofrénicos. O alguna sensación parecida, que de chico, no podía evitar al mirar sus dibujos y quizás por eso quedó grabada en mi cabeza su línea gruesa y su sello en cada pose que planteaba. Miren este "capitán américa"
Es tan rústico por un lado, y mas allá de la carga pop que tiene su diseño, esta realizado de tal forma que desde como están plantadas las piernas de capitán america, demasiado abiertas para parecer natural (¿será contorsionista?) pero que generan en combinación con el giro de su cadera y su torso, cumpliendo asi el trayecto del golpe que nunca vimos pero que está ahi, sellado, permanente en nuestra retina y acentuado por esos seis soldados que quedan desparramados cual partido de bowling. Pero no están en el suelo, estan cayendo, el golpe se produjo pero la caída no. Sumada la onomatopeya, casi explosiva. que termina por dejar el cuadro abierto, desarrollando su movimiento permanentemente en nuestra cabeza cada vez que lo vemos. Aunque ni es por lejos de los mejores cuadros de Kirby, es claro en el efecto que produce. De alguna forma, por mas que me gusten muchos comics de superhéroes por sus planteos retorcidos (como puede ser alguien como Batman) de chico, el imaginario y la gráfica que me quedó grabada fue la de este tipo.
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Cuando tenía ocho años apareció en el kiosko de mi barrio un dibujante que ya tenía una larga trayectoria, pero que nunca había visto antes. Tengan en cuenta mi invalidez para husmear en tiendas de saldos y demás, sin la presencia de algún mayor. O cuando eso sucedía, me limitaba a buscar Billiken, Anteojito, Mickey y varias porquerías más (aunque si puedo estar contento de haber disfrutado de chico los comics del Pato Donald de Carl Barks!!)
Y de pronto mis personajes infantiles crecieron unos centímetros, tomaron características mas cotidianas pero no dejaban de perder la frescura del dibujo caricaturesco. Y por sobre todas las cosas, nunca había visto una línea que contenga tanto movimiento, en cada trazo, en esa construcción de monitos. No me canso de mirarlo, el tipo dibuja un personaje parado y este parece salirse del papel, hay un otro yo contenido dentro, en la ropa, en la mirada, en cada gesto, por mas tranquilidad que demuestre. El cruce de curvas, la casi omisión de rectas perfectas (al contrario de lo que podría ser un Tintín de Hergé) En mi cabeza se mueven todo el tiempo, al igual de lo que me pasaba con Kirby, solo que aquí se agrega toda la carga costumbrista en su retrato de lo cotidiano, hecho caricatura. Sin ninguna duda, si alguien quiere quedar bien conmigo alguna vez, regalenmé algo de Franquin :)
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Cuando cursaba dibujo por el año 1994, habían colgado una nota en el panel sobre la próxima "gran cosa" luego de los Simpsons. La nota estaba acompañada por un dibujo de los protagonistas, un gato y un perro chihuahua. Un dibujo que me hacía recordar al Tex Avery mas sacado......
Tex Avery es el rey del cartoon. Si a uno le recuerdan algún dibujo animado que hayas visto de pequeño, de seguro lo hizo él. Lo mas grandioso de droopy, bugs bunny, el lobo o el Pato Lucas (Duffy Duck). Él es el culpable de generar toda una línea de cartoons totalmente fuera de sí, para un público adulto. Donde cada corto se regía por la unión en crescendo de gags que en general hacían de quien los padecía, una persona cada vez mas miserable, al punto que los finales trágicos: suicidos, muertes, degollamientos, eran la solución y a la vez un escape. Con Avery uno puede aprender
exageración:
deformaciones
timming
lineas de acción.................................. ..................................
¡Lo hizo todo!
La próxima "gran cosa" después de los Simpsons era "The Ren & Stimpy Show" De alguna forma John Kricfalusi retoma la línea de cartoons para adultos de Avery, pero potenciando el absurdo más cercano a lo que hacían "los tres chiflados" ("The three Stooges") Por momentos su mirada parece suspendida en el tiempo, como si sus personajes estuvieran esperando las indicaciones del director. Entonces se aburren, bostezan, parpadean (pero solo de un ojo) o se babean encima. Si Avery buscaba el gag continuo, por mas cruel que sea. Kricfalusi está hundido en el melodrama, se expresan y se relacionan de manera casi trágica. Hasta el pequeño detalle presupone un calvario, ya no en busca del gag sino en una puesta en la cual llorar, gritar, ver cosas donde no las hay y sentir que se ha recibido la peor puñalada son reacciones lógicas de las cuales ninguno de ellos está excento. Y pasan del llanto desconsolado a la alegría extrema sin matices, lo que estaba muy mal ahora es totalmente increible, a veces generado por una palabra de consuelo otras simplemente porque si. Esa manera de expresarse cuasi grotesca los hace aún mas absurdos. A tal punto que la animación comienza a ser mas detallista y no tiene vuelta atrás. Diseños simples, agradables visualmente, que manifiestan ingenuidad, ternura y simpatía y demás adjetivos ñoños del estilo. En esa punta se apoya para contener la violencia en los personajes y desatarla cuando sea necesario. A la vez que mientras las acciones se suceden, la animación se centra en movimientos incómodos, que en general lo ridiculizan todo. Como se ve en el video de mas abajo, el bañero la juega de héroe, dibujado con un pullover de pelos increible, mientras que Kricfalusi focaliza el flameo de sus testículos, o en sus hermosas chicas que se comportan como ingenuas salvajes al refregarse a Stimpy por los pechos pero que en cuanto entra la visión adulta de Ren en el asunto, es tratado como una rata desesperada por captar su atención sexual. La tensión sexual y ambigua que maneja Kricfalusino se veia desde los tiempos del gran gran Fleischer. De alguna manera todos sus personajes tienen una carga sexual enorme, que en general es violenta, instintiva y animal. Y como esta tensión rige sus comportamientos, aunque no sea explicitamente un acto sexual propiamente dicho, aunque para eso están los psicos. Hay algo de la mirada de los autores que hablamos anteriormente, que en Ren & Stimpy se convierte en un sin sentido. Nadie aprende nada y al otro capítulo todo comienza otra vez, mientras tanto, cada cosa que les pasa termina siendo una cuestión de vida y muerte. Y me rindo.
Si tengo que resumir en algún otro corto parte de las influencias que describía en los trabajos de Larkin y Crumb es en este. No me interesa demasiado la historia, que de hecho no es lo importante y en donde se quieren centrar las autoras. Hay todo un camino trazado por cada uno de los personajes, signado por su rutina diaria que me atrapa. Por la manera en que lograron transformar esa rutina en una danza, ayudada por la música, muy de época cincuenta, a tono con el modo de vida ideal americano y remarcando todo el tiempo detalles intrascendentes. Nada genial, nada del otro mundo. Y asi, hasta que algo los interrumpe y deben utilizar sus sentidos para otra cosa, que quizás, ya no estaban preparados para afrontar.
Amanda y Wendy llamaron a sus amigos, los filmaron y los usaron como referencia a la hora de animar. Imprimieron parte de las secuencias de video y la utilizaron para lograr por un lado, esa sensación de documental y cámara en mano (ayudados por Martin Rose en los fondos, aunque como verán, también aparecen los fondos de la filmación en vivo) sin verse despegado el personaje de su entorno, algo que les hubiera jugado en contra. Y por otro, utilizan la referencia para obtener una fluidez en la animación en sutilezas propias de un ser humano, como puede ser un leve cabeceo o pequeñas anticipaciones que no son tan sútiles en un gallo o un cerdo ;-)
Me gusta el tono que tiene todo el corto, porque no se vuelve trágico ni pesimista, tampoco es un falso canto a la vida, es simplemente lo que es. Y no tuvo que recurrir a ningún clishe costumbrista, no necesitó de diálogos graciosos y las acciones se van sucediendo secuencialmente de manera que al final, uno respira ni aliviado ni mejorado. Se apaga el cigarrillo y punto. El presente de cada una de las cosas que uno hace. Terrible cuando nuestro presente tambien es rutinario, pero bueno, justamente, es en esa mirada donde hay un despegue del asiento, por el cual, ahora uno este escribiendo esto sobre el corto y no esté pensando en las boletas que debo pagar el martes en el banco. Que se pagarán igual, que me importa. ¿Ok?
Friday, December 29, 2006
DIA INTERNACIONAL DE LA ANIMACIÓN -Primera Parte
Hace un par de meses, más exactamente el 28 de octubre, se celebró el día internacional de la animación. Al igual que el año pasado, un grupo de viejos animadores se juntaron a explicarle a la gente, que es esto de animar. De más está decir que lo de "viejos" no venía solo por la edad, porque los había mas jóvenes, pero eran igual o peor de viejos en el discurso y la acción. Amparados en difundir la creación de su quintita de trabajo (fracasando estrepitósamente, pidiendo por favor a la gente que firmara unos papeles para formar parte de un "sindicato") le daban forma, en cuanto a animación se refiere, a uno de los días mas aburridos del año.
En general, la lectura que uno puede realizar de la animación suele empezar y terminar en la televisión o en alguna película del momento. Así es complicado plantear una nueva lectura sobre algo que es más de lo mismo. Pero por otro lado:
¿A quién le interesa? ¿A la misma gente que tampoco le interesa una lectura diferente de la música? Nombro la música porque es una costumbre mucho mas arraigada que el ver animación, y que también se limita a los circuitos de difusión de siempre (radio, televisión, recitales en los mismos lugares)
Porque hasta cierto punto, creo yo, todos vemos y escuchamos mas o menos el mismo caudal de información. De por si, el sentarnos a charlar con alguien infiere algún tipo de movimiento. Y de nuestra parte, comenzamos a decodificar como ese tipo nos está hablando de cierta forma y no de otra, como gesticula, como se pronuncia y se para. Como influye su aspecto en su comportamiento y como genera pausas, marchas y contramarchas. Hay una emoción puesta en esas acciones, que produce que solamente esa persona sea la que se comporte así y no de otra forma. Por lo que supuestamente nos hace únicos, encasillados en patrones de movimiento que sufren pequeñas modificaciones y varian en sus comportamientos. Y si nuestra mirada recorta algún tipo de movimiento, es porque tambien, al final, terminamos recluidos en algún rincón de nuestro recuerdo. ¿Será por eso que intentamos actualizarnos en cada gesto, en cada palabra, como si nunca hubiera sido dicha por nadie?
La idea de este post es sencilla, simplemente hablar de los trabajos que en algún punto me hicieron ver a la animación como "otra cosa" Aunque la gran mayoría de las veces no sabía como explicar "esa cosa" (y mucho menos hacerla) hasta mucho tiempo después. Asi que verán cosas conocidas, otras no tanto, tampoco hay un criterio de "esta es mejor que la otra" Porque de hecho las hay, pero sencillamente estas son puntuales, estuvieron ahi y en ese momento. Asi que, ahí vamos.....
Bueno, basta ya de posteos sobre crisis existenciales y dilemas morales. Me cansé, se acabó, volvamos a lo que vale la pena. Les presento a mis idolos, les presento a:
PICPIC & ANDRÉ
¿Quiénes son?
Picpic es un cerdo que, antes de salvar a una tortuga desamparada, heredó sus poderes mágicos. André, es un mal caballo que abusa de la cerveza y envenena la vida de su vaquero amigo, quien no se lo puede quitar nunca de encima, porque el maldito caballo resucita siempre!
Vincent Patar y Stéphane Aubier se conocieron en la escuela de arte visuales de Belgica y cada uno tenía un personaje que decidieron juntarlos para formar esta tanda de siete cortos, que incluye una familia hiperkinética hecha con una estética de recortes de papel (aún mas crudo que south park) y otros pequeños gags.
La serie se centra en el sin sentido constante, pero dentro de sí tiene una lógica totalmente posible. Cualquier cosa puede pasar y está bien, porque es gracioso. A su vez este absurdo está cargado de mucha violencia gráfica. No importa que se vea la textura del papel, ni que algunos capítulos estén sin pintar, que haya gags directamente a lápiz. La hace aún mas coherente con la libertad que respira su estructura. A diferencia de Tex Avery, que acumulaba gags uno tras a otro, hasta simplemente finalizar. Aquí se preocupa por tener una pequeña estructura en la historia, diferentes objetivos a cumplir en el cual el camino es la clave. Porque sabiendo a donde se llega, la forma en que lo hace es lo que nos atrapa.
La serie tuvo éxito a nivel festivales y proyecciones en diferentes centros, pero no se la vendieron a nadie. Eso si, lograron convencerlos para que les den suficiente dinero para solventar una miniserie con soldaditos. (que ya fue terminada y se llama "Panic in the village")
Y nos despedimos hasta el próximo mes, con uno de los pequeños gags que integra la serie. No olviden sacar a pasear a su perro, mientras tanto, sigan difundiendo la página! Saludos a todos!
TimTomes otra creación de la nueva camada de animadores franceses, salidos tambien delSupinfocom. En este caso la historia pasa por el encuentro imposible entre Tim y Tom, dos personajes puestos en escena, en diferentes esquinas, que intentan acercarse para darse un saludo. Tienen la particularidad que sus rostros están dibujados sobre libretas. El corto está bueno respecto a su realización técnica, la animación también paga junto con el caracter de los personajes. A mi entender la pifia está en que hay un montón de resoluciones ingeniosas (veanlas) que justamente por ingeniosas que son, están mas al servicio de realzar al autor que la historia y la interacción entre los personajes. Porque luchan contra una mano (creadora, la que los deposita en el escenario) pero por alguna razón (quien sabe cual) la mano creadora no quiere que los personajes se encuentren.
Pero empiezan a intervenir elementos que tienen que ver con el formato, el sonido y resoluciones que hacen pensar que los personajes tienen conciencia que son muñecos, que esto es una animación y de que están sobre un soporte digital. ¿Por qué? Por simple capricho, porque la historia no los lleva a darse cuenta de eso. Imagen sino a los actores de una película que resuelven un conflicto (forzado en este caso y traido de los pelos) a través de los elementos que lo conforman. Desde el celuloide, hasta el color, pasando por el público, el fotograma y el montaje. Bueno, eso se llamó "novelle vague" y nada de eso hay acá.
Quizás esto me hizo repensarlo y verlo como un corto que podría haber sido aún mejor. De todas formas, para eso uno está estudiando y haciendo. Y dentro de lo que ellos hicieron, hay puesto mucho trabajo y un cuidado del cual es difícil conseguir a primera mano.
Cuando morimos, no en verdad morimos, porque vivimos, resucitamos, seguimos viviendo, despertamos, Esto nos hace felices ... ¿Acaso de verdad se vive en la tierra? No para siempre en la tierra: sólo un poco aquí. Aunque sea jade se quiebra, aunque sea oro se rompe, aunque sea plumaje de quetzal se desgarra, no para siempre en la tierra: sólo un poco aquí." (cantares mexicanos)
Este corto tiene mucho de la cultura mexicana respecto a la muerte y eso lo hace interesante para mi. Porque no se torna fatalista, aunque el tono del corto no es para descorchar shampagne, el personaje se tiene que hacer cargo de la realidad, quiera o no. No hay vuelta ni escape posible a la muerte (chocolate por la noticia) La iconografía popular mexicana apunta a eso, la muerte se vuelve representativa del pueblo como un habitante de culto. Sale a la superficie para que la adoren. Adoración que proviene de la época medieval, donde la iglesia católica comienza a predicar una "buena muerte" ante la llegada de la peste. Mas antiguamente inclusive, uno de los pueblos que mas adoraban el culto a la buena muerte eran los aztecas:
Mas por estos tiempos, es interesante como también del otro lado de la civilización (es decir, polítcos y militares) buscan la bendición a sus balas y sus pistolas. Supongo que querrán matar con bondad (!?) Hoy en día, la iglesia católica está en contra de esta práctica ($$$) pero como siempre, tarde al asunto, hay mas de dos millones de personas adorando el culto pagano de la santa muerte :)
Si les interesa saber mas sobre esta celebración, aquí hay un escrito interesante al respecto.
Volviendo al corto en sí, aquí el autor: ¿Por qué te gusta la animación con plastilina?
René: Me gusta mucho el material, es muy noble, el contacto directo con las manos, me fascina tener un actor a disposición de mis dedos. La idea de darle vida a un personaje de una manera absolutamente artesanal. Me gusta actuar a través del personaje. Un animador es un actor y me tardé muchos años en entender esta concepción de la animación. Uno debe actuar a través de los personajes. Tomar la misma disciplina que toma un actor cuando dice “voy a interpretar a un personaje de esta manera”.
G: ¿Cuál es tu fuerte en la animación?
René: Creo que es una gran ventaja para mí el poder crear mis propios personajes. Yo escribo la historia, dirijo yanimo. Yo dibujo mis personajes, los moldeo, me peleo con ellos y vivo con ellos, durante todo el proceso de una película me despierto pensando en ellos. Sin embargo en “Hasta los Huesos” invité a un chavo que se llama Luis Téllez a que trabajara conmigo en la animación. Fue la primera ves que trabajamos dos animadores y en la que también él participó en el diseño de los personajes. Esto fue increíble porque los personajes que hacía Luis, son personajes que yo no hubiera hecho, la manera en que los animó yo no lo hubiera hecho igual. Y esto enriquece la historia. Es como otro actor que llega, participa y hace crecer el proyecto. Para mí lo más valioso de este proyecto fue aprender de Luis y que Luis aprendiera de mí. Al final la película tomó un rumbo que no hubiera tomado si la hubiera hecho yo solo. Esa es la esencia del cine. No es un arte individual, sino de grupo. El rumbo que pueda tomar una película depende de la gente que se involucre en ella.
Al final, todo esto lo estoy transcribiendo sentado cómodamente en una silla frente al monitor, pero me falta el bar, los tequilas y bonitos esqueletos rodeándome. Quizás, si apagara esa luz podría suceder que....
¿A dónde iré?; ¿A dónde iré? El camino de la Dualidad Divina. ¿Por ventura es tu casa el lugar de los descarnados?, ¿Acaso en el interior del cielo?, ¿O solamente aquí en la tierra es el lugar de los descarnados?.
Lo primero que supe de ella es que no era animadora, nunca tuvo una preparación académica al respecto (lo cual en su caso hubiera sido lo peor que podía ocurrirle) pero lo que la terminó marcando a la hora de expresarse y mostrarse fue su infancia transcurrida en sudáfrica y su dedicación como bailarina. Neo-zelandesa, trabajos bonitos, por fuera bonita-------------------->
(complementa su trabajo, claro! :)
Vive en Londres (por si quieren pasar a tocarle el timbre) y aunque técnicamente son diferentes, no puedo dejar de emparentarla con Caroline Leaf. Mas allá de que ambas son mujeres, que pesa a la hora de tomar un punto de vista. Caroline tiene una cámara en su cabeza y Erica tiene lo que McLaren llamaba "lo que ocurre entre un cuadro y otro" Ambas entienden perfectamente como surgen, se forman, brotan y salen la fuerza que le da caracter a lo que hacen. Y pueden transmitirlo. Erica Russell parece excedida todo el tiempo en ritmos, poses, bailes y sonidos. Excedida en su ambición de equilibrarlos. Sus trabajos son puras batallas coreografiadas, luchan frente a nosotros, con toda la carga sensual y sexual que provoca verlos. Estados primitivos en búsquedas permanentes. Es en ese punto donde pesa su autoría. Ella se limita a dejar fluir y desviar las cosas hacia otro lugar cada vez que es necesario. Como quien despierta energias en todos los sentidos, trasladandolas al papel, conducidas de su propia mano (utiliza mucho lápiz y aerógrafo) hasta que las deja actuar por si solas, liberándose de su propio trabajo. Sin embargo, no es caótica, sus trazos son seguros y animados, en el que una sola linea de Erica Russell nos genera movimiento.
Visiten su sitio, donde pueden ver otros de sus trabajos, incluyendo "Soma", un corto que hizo inspirándose en la obra de Basquiat.
pero está emparentado con el arte en sus diferentes ramas, en especial con la gráfica y el diseño, de tal modo que, los últimos años ha causado cierto revuelo (la prensa en su afán por catalogar todo lo llama "el nuevo andy warhol") por entrar en los sectores de mayor poder adquisitivo, difundiendo los elementos mas arraigados en el manga y anime.
---->acá con el director de la firma: Marc Jacobs)) una firma que acostumbrada a la sobriedad, de pronto se vió inundada por esto:
pero está emparentado con el arte en sus diferentes ramas, en especial con la gráfica y el diseño, de tal modo que, los últimos años ha causado cierto revuelo (la prensa en su afán por catalogar todo lo llama "el nuevo andy warhol") por entrar en los sectores de mayor poder adquisitivo, difundiendo los elementos mas arraigados en el manga y anime.
---->acá con el director de la firma: Marc Jacobs)) una firma que acostumbrada a la sobriedad, de pronto se vió inundada por esto:
