Día Internacional de la animación -Primera parte.

Hacía tiempo que Disney me había aburrido, de chico ya me había aburrido! ¿Cómo puede ser que industria de la animacion sea igual a Disney? ¿No hay otra manera de hacer películas clásicas?

MIYAZAKI

MIYAZAKI

MIYAZAKI

Nunca le había prestado demasiada atención cuando pasaron por cable "Mi vecino Totoro"(Tonari no Totoro). Tiempo mas tarde vi uno de los primeros anime que se salian de la media infanto- guerra- mecha. Era "Porco Rosso". Y el que me hizo preguntar y abrir una puerta sobre otro cine de animación oriental (sí, mucho mas de lo que pudo haber provocado en occidente el impacto "Akira")

Miyazaki explota a sus animadores, no se habla bien de él cuando se trata de su equipo trabajando durante largas jornadas, animando en pequeños cubículos donde terminan totalmente alienados. (aunque para no faltar a la verdad, esa es una condición de trabajo de casi todas las producciones industriales del dibujo animado)
Sin embargo, y sin justificarlo para nada, la obra refleja una mirada autoral como pocas en el cine industrial. Y otra vez tiene peso su recorte de lo cotidiano. Puede estar contando historias de ciencia ficción, de guerra o entrar en un surrealismo mágico, pero siempre apoyado en como sus personajes tienen que lidiar con hechos pequeños y concretos que los entremezclan ante cierta piedad y resignación, con un algo de esperanza, no barata, sino sostenida en que ninguno de ellos tiene otra forma de encarar las cosas.
Asi es como la malvada de turno termina siendo una viejita que está para internarla en el geriátrico y donde su maldad en realidad funciona como una forma de expresar su constante búsqueda por sentirse acompañada. Esto que asi escrito suena muy a bajada de línea disney. Miyazaki no lo dice, toca los temas supuestamente escabrosos como una etapa mas de la vida, que en definitiva nos alcanza a todos. Hasta cuando creemos que somos inmortales.

El valor de la palabra tiene un peso en el discurso de los personajes que se sostiene aún cuando saben que luego serán engañados. Pero no por ingenuidad, sino porque ellos mismos caen en sus propias vacilaciones, no pueden escapar a sus propias dudas. Y porque no existe el malvado absoluto, y el camino transcurre por la propia experiencia, que nos hace confiar (o no) en la otra persona. De alguna forma, por propia experiencia apoya su confianza, en amigos (o no), equivocado (o no), sus películas se construyen y avanzan a prueba y error. No necesita protegernos en un mágico mundo de colores, sino que vivimos conciente de los riesgos. Así totoro, nuestro gato imaginario es mas que un personaje ideado para vender el próximo muñeco de peluche (que se venderá, claro) O el increible gatito de "Kiki´s delivery", que está lejos de ser el personaje que solo hará chistes y comentarios graciosos.
Aunque sus películas mezclen diferentes elementos fantásticos, en el mundo de Miyazaki nada es mágico y los de afuera, son de palo. Aquí les adjunto un breve resumen de sus films, elijan su propia manera de abordarlo, mas allá de las propias preferencias, no tiene una sola película mala, después me cuentan.

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Neo Genesis Evangelion me revolvió la cabeza como ninguna otra serie de animación. Mucho tuvo que ver con cierta edad y momento de mi vida en la cual, una vez superado el "esta vez si, esta es la gran cosa luego de Robotech" era un cortar y dar de nuevo. Por empezar no hay héroes que salvan la tierra, Mas todo lo contrario, Shinji Ikari tiene terror a pilotear el Eva y la serie plantea todo el tiempo como escapar a su propio destino. La serie empieza como una mas del montón y con el correr de los capítulos, empieza a ocupar mas espacio la evolución psicológica de los miedos y crisis que se van desatando ante el misterio. Ya llegado los los últimos dos capítulos y luego la película, el tono es casi el de una sesión en un diván, donde cada personaje expone su caso. Y la película no hace mas que atacar tus sentidos, sin llegar a comprenderlo todo, uno recibe tanta carga visual planteados en formas de enigmas que de antemano uno tiene que verla con la predisposición de que es posible de que poco o nada encuentre una resolución que nos deje "tranquilos". Y muchas de esas dudas están basadas en la vida de cada personaje, en la posición que toman y la responsabilidad sobre sus actos. Algo de lo cual en mayor o menor medida como comenté al comienzo, en ese momento me estaba taladrando el cerebro.
Al punto de caminar por la calle y no poder evitar las vinculaciones entre Rei Ayanami y mi vida, como veran, todo muy nerd y freakie, pero necesario. En dos horas y media que duran los dos capitulos de la serie y la película, uno pasa de el estado racional de estar contándole a un psicologo parte de tu vida a terminar tirado en ácido en medio de una explosión de imágenes, en donde se mezcla la ficción, con tomas en vivo, collages y resoluciones metafóricas donde el universo toma forma y se modifica. En la película definitivamente está tooodo mal, pero Evangelion no es lo que viene, es lo que sucede en este preciso momento. Imaginen los momentos previos a cuando el mundo de uno, nuestra cabeza, está por estallar. Eso es la película. Y donde no hay un enemigo previsiblemente visible, todo comienza a fallar y la búsqueda entonces pasa por otro lado. Otra vez, al igual que Miyazaki, una película industrial propone algo diferente al resto de los animes que terminan llegando a la pantalla grande. En este caso, la puesta de las cámaras se ubican en lugares extraños e incómodos, donde la sensación que predomina es vouyerista, escondidos y espiando, siendo testigos de lo que pasa delante de nuestros ojos sin ser protagonistas, contemplando el imaginario visual que se nos presenta. Es necesario ver la serie completa para disfrutar el film, pero quería postear un fragmento para que vean como acompaña la animación, que es mucho mas trabajada que en la serie regular y que transmite parte de este clima que quería compartir, cuando la vi por primera vez:

INTERMISSION
Crumb mira desde afuera, Larkin mira desde afuera, Forbis mira desde afuera, Tilby mira desde afuera, Franquin mira desde afuera, Kricfalusi mira desde afuera.
MIRAN MONTY PYTHON

MONTY
PYTHON
*I*N*T*E*R*M*I*S*S*I*O*N*


ACTING -GESTOS -CARAS -DIALOGOS
ABSURDO -ACIDO -
¿QUERES ANIMAR? monty python
Mirar desde afuera
es
MONTY
PYTHON

******************* BIEN ADENTRO, CHE! ********************

Fin del intermission.

Día Internacional de la animación -Primera parte.

Jack Kirby me produce ataques esquizofrénicos. O alguna sensación parecida, que de chico, no podía evitar al mirar sus dibujos y quizás por eso quedó grabada en mi cabeza su línea gruesa y su sello en cada pose que planteaba. Miren este "capitán américa"


Es tan rústico por un lado, y mas allá de la carga pop que tiene su diseño, esta realizado de tal forma que desde como están plantadas las piernas de capitán america, demasiado abiertas para parecer natural (¿será contorsionista?) pero que generan en combinación con el giro de su cadera y su torso, cumpliendo asi el trayecto del golpe que nunca vimos pero que está ahi, sellado, permanente en nuestra retina y acentuado por esos seis soldados que quedan desparramados cual partido de bowling. Pero no están en el suelo, estan cayendo, el golpe se produjo pero la caída no. Sumada la onomatopeya, casi explosiva. que termina por dejar el cuadro abierto, desarrollando su movimiento permanentemente en nuestra cabeza cada vez que lo vemos. Aunque ni es por lejos de los mejores cuadros de Kirby, es claro en el efecto que produce. De alguna forma, por mas que me gusten muchos comics de superhéroes por sus planteos retorcidos (como puede ser alguien como Batman) de chico, el imaginario y la gráfica que me quedó grabada fue la de este tipo.

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Cuando tenía ocho años apareció en el kiosko de mi barrio un dibujante que ya tenía una larga trayectoria, pero que nunca había visto antes. Tengan en cuenta mi invalidez para husmear en tiendas de saldos y demás, sin la presencia de algún mayor. O cuando eso sucedía, me limitaba a buscar Billiken, Anteojito, Mickey y varias porquerías más (aunque si puedo estar contento de haber disfrutado de chico los comics del Pato Donald de Carl Barks!!)

El tipo en cuestión era André Franquin

Y de pronto mis personajes infantiles crecieron unos centímetros, tomaron características mas cotidianas pero no dejaban de perder la frescura del dibujo caricaturesco. Y por sobre todas las cosas, nunca había visto una línea que contenga tanto movimiento, en cada trazo, en esa construcción de monitos. No me canso de mirarlo, el tipo dibuja un personaje parado y este parece salirse del papel, hay un otro yo contenido dentro, en la ropa, en la mirada, en cada gesto, por mas tranquilidad que demuestre. El cruce de curvas, la casi omisión de rectas perfectas (al contrario de lo que podría ser un Tintín de Hergé) En mi cabeza se mueven todo el tiempo, al igual de lo que me pasaba con Kirby, solo que aquí se agrega toda la carga costumbrista en su retrato de lo cotidiano, hecho caricatura. Sin ninguna duda, si alguien quiere quedar bien conmigo alguna vez, regalenmé algo de Franquin :)

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Cuando cursaba dibujo por el año 1994, habían colgado una nota en el panel sobre la próxima "gran cosa" luego de los Simpsons. La nota estaba acompañada por un dibujo de los protagonistas, un gato y un perro chihuahua. Un dibujo que me hacía recordar al Tex Avery mas sacado......

Tex Avery es el rey del cartoon. Si a uno le recuerdan algún dibujo animado que hayas visto de pequeño, de seguro lo hizo él. Lo mas grandioso de droopy, bugs bunny, el lobo o el Pato Lucas (Duffy Duck). Él es el culpable de generar toda una línea de cartoons totalmente fuera de sí, para un público adulto. Donde cada corto se regía por la unión en crescendo de gags que en general hacían de quien los padecía, una persona cada vez mas miserable, al punto que los finales trágicos: suicidos, muertes, degollamientos, eran la solución y a la vez un escape.
Con Avery uno puede aprender

exageración:

deformaciones

timming

lineas de acción..................................
..................................

¡Lo hizo todo!

La próxima "gran cosa" después de los Simpsons era "The Ren & Stimpy Show"
De alguna forma John Kricfalusi retoma la línea de cartoons para adultos de Avery, pero potenciando el absurdo más cercano a lo que hacían "los tres chiflados" ("The three Stooges")
Por momentos su mirada parece suspendida en el tiempo, como si sus personajes estuvieran esperando las indicaciones del director. Entonces se aburren, bostezan, parpadean (pero solo de un ojo) o se babean encima.
Si Avery buscaba el gag continuo, por mas cruel que sea. Kricfalusi está hundido en el melodrama, se expresan y se relacionan de manera casi trágica. Hasta el pequeño detalle presupone un calvario, ya no en busca del gag sino en una puesta en la cual llorar, gritar, ver cosas donde no las hay y sentir que se ha recibido la peor puñalada son reacciones lógicas de las cuales ninguno de ellos está excento. Y pasan del llanto desconsolado a la alegría extrema sin matices, lo que estaba muy mal ahora es totalmente increible, a veces generado por una palabra de consuelo otras simplemente porque si. Esa manera de expresarse cuasi grotesca los hace aún mas absurdos.
A tal punto que la animación comienza a ser mas detallista y no tiene vuelta atrás. Diseños simples, agradables visualmente, que manifiestan ingenuidad, ternura y simpatía y demás adjetivos ñoños del estilo. En esa punta se apoya para contener la violencia en los personajes y desatarla cuando sea necesario. A la vez que mientras las acciones se suceden, la animación se centra en movimientos incómodos, que en general lo ridiculizan todo. Como se ve en el video de mas abajo, el bañero la juega de héroe, dibujado con un pullover de pelos increible, mientras que Kricfalusi focaliza el flameo de sus testículos, o en sus hermosas chicas que se comportan como ingenuas salvajes al refregarse a Stimpy por los pechos pero que en cuanto entra la visión adulta de Ren en el asunto, es tratado como una rata desesperada por captar su atención sexual.
La tensión sexual y ambigua que maneja Kricfalusi no se veia desde los tiempos del gran gran Fleischer. De alguna manera todos sus personajes tienen una carga sexual enorme, que en general es violenta, instintiva y animal. Y como esta tensión rige sus comportamientos, aunque no sea explicitamente un acto sexual propiamente dicho, aunque para eso están los psicos.
Hay algo de la mirada de los autores que hablamos anteriormente, que en Ren & Stimpy se convierte en un sin sentido. Nadie aprende nada y al otro capítulo todo comienza otra vez, mientras tanto, cada cosa que les pasa termina siendo una cuestión de vida y muerte. Y me rindo.

Día Internacional de la animación -Primera parte.
"WHEN THE DAY BREAKS"
Director: Amanda Forbis - Wendy Tilby

Si tengo que resumir en algún otro corto parte de las influencias que describía en los trabajos de Larkin y Crumb es en este. No me interesa demasiado la historia, que de hecho no es lo importante y en donde se quieren centrar las autoras. Hay todo un camino trazado por cada uno de los personajes, signado por su rutina diaria que me atrapa. Por la manera en que lograron transformar esa rutina en una danza, ayudada por la música, muy de época cincuenta, a tono con el modo de vida ideal americano y remarcando todo el tiempo detalles intrascendentes. Nada genial, nada del otro mundo. Y asi, hasta que algo los interrumpe y deben utilizar sus sentidos para otra cosa, que quizás, ya no estaban preparados para afrontar.

Amanda y Wendy llamaron a sus amigos, los filmaron y los usaron como referencia a la hora de animar. Imprimieron parte de las secuencias de video y la utilizaron para lograr por un lado, esa sensación de documental y cámara en mano (ayudados por Martin Rose en los fondos, aunque como verán, también aparecen los fondos de la filmación en vivo) sin verse despegado el personaje de su entorno, algo que les hubiera jugado en contra. Y por otro, utilizan la referencia para obtener una fluidez en la animación en sutilezas propias de un ser humano, como puede ser un leve cabeceo o pequeñas anticipaciones que no son tan sútiles en un gallo o un cerdo ;-)

Me gusta el tono que tiene todo el corto, porque no se vuelve trágico ni pesimista, tampoco es un falso canto a la vida, es simplemente lo que es. Y no tuvo que recurrir a ningún clishe costumbrista, no necesitó de diálogos graciosos y las acciones se van sucediendo secuencialmente de manera que al final, uno respira ni aliviado ni mejorado. Se apaga el cigarrillo y punto. El presente de cada una de las cosas que uno hace. Terrible cuando nuestro presente tambien es rutinario, pero bueno, justamente, es en esa mirada donde hay un despegue del asiento, por el cual, ahora uno este escribiendo esto sobre el corto y no esté pensando en las boletas que debo pagar el martes en el banco. Que se pagarán igual, que me importa. ¿Ok?

DIA INTERNACIONAL DE LA ANIMACIÓN -Primera Parte

Hace un par de meses, más exactamente el 28 de octubre, se celebró el día
internacional de la animación. Al igual que el año pasado, un grupo de viejos
animadores se juntaron a explicarle a la gente, que es esto de animar.
De más está decir que lo de "viejos" no venía solo por la edad, porque los había
mas jóvenes, pero eran igual o peor de viejos en el discurso y la acción.
Amparados en difundir la creación de su quintita de trabajo (fracasando
estrepitósamente, pidiendo por favor a la gente que firmara unos papeles para
formar parte de un "sindicato") le daban forma, en cuanto a animación se
refiere, a uno de los días mas aburridos del año.

En general, la lectura que uno puede realizar de la animación suele empezar y
terminar en la televisión o en alguna película del momento. Así es complicado
plantear una nueva lectura sobre algo que es más de lo mismo. Pero por otro lado:

¿A quién le interesa?
¿A la misma gente que tampoco le interesa una lectura diferente de la música?
Nombro la música porque es una costumbre mucho mas arraigada que el ver
animación, y que también se limita a los circuitos de difusión de siempre
(radio, televisión, recitales en los mismos lugares)

Porque hasta cierto punto, creo yo, todos vemos y escuchamos mas o menos el
mismo caudal de información. De por si, el sentarnos a charlar con alguien
infiere algún tipo de movimiento. Y de nuestra parte, comenzamos a decodificar como ese tipo nos está hablando de cierta forma y no de otra, como gesticula, como se pronuncia y se para. Como influye su aspecto en su comportamiento y como genera pausas, marchas y contramarchas. Hay una emoción puesta en esas acciones, que produce que solamente esa persona sea la que se comporte así y no de otra forma. Por lo que supuestamente nos hace únicos, encasillados en patrones de movimiento que sufren pequeñas modificaciones y varian en sus comportamientos. Y si nuestra mirada recorta algún tipo de movimiento, es porque tambien, al final, terminamos recluidos en algún rincón de nuestro recuerdo. ¿Será por eso que intentamos actualizarnos en cada gesto, en cada palabra, como si nunca hubiera sido dicha por nadie?

La idea de este post es sencilla, simplemente hablar de los trabajos que en algún punto me hicieron ver a la animación como "otra cosa" Aunque la gran mayoría de las veces no sabía como explicar "esa cosa" (y mucho menos hacerla) hasta mucho tiempo después.
Asi que verán cosas conocidas, otras no tanto, tampoco hay un criterio de "esta es mejor que la otra" Porque de hecho las hay, pero sencillamente estas son puntuales, estuvieron ahi y en ese momento. Asi que, ahí vamos.....

"PicPic André shoow"
Director: Vincent Patar y Stéphane Aubier

Bueno, basta ya de posteos sobre crisis existenciales y dilemas morales. Me cansé, se acabó, volvamos a lo que vale la pena. Les presento a mis idolos, les presento a:

PICPIC & ANDRÉ

¿Quiénes son?

Picpic es un cerdo que, antes de salvar a una tortuga desamparada, heredó sus poderes mágicos. André, es un mal caballo que abusa de la cerveza y envenena la vida de su vaquero amigo, quien no se lo puede quitar nunca de encima, porque el maldito caballo resucita siempre!

Vincent Patar y Stéphane Aubier se conocieron en la escuela de arte visuales de Belgica y cada uno tenía un personaje que decidieron juntarlos para formar esta tanda de siete cortos, que incluye una familia hiperkinética hecha con una estética de recortes de papel (aún mas crudo que south park) y otros pequeños gags.

La serie se centra en el sin sentido constante, pero dentro de sí tiene una lógica totalmente posible. Cualquier cosa puede pasar y está bien, porque es gracioso. A su vez este absurdo está cargado de mucha violencia gráfica. No importa que se vea la textura del papel, ni que algunos capítulos estén sin pintar, que haya gags directamente a lápiz. La hace aún mas coherente con la libertad que respira su estructura. A diferencia de Tex Avery, que acumulaba gags uno tras a otro, hasta simplemente finalizar. Aquí se preocupa por tener una pequeña estructura en la historia, diferentes objetivos a cumplir en el cual el camino es la clave. Porque sabiendo a donde se llega, la forma en que lo hace es lo que nos atrapa.

La serie tuvo éxito a nivel festivales y proyecciones en diferentes centros, pero no se la vendieron a nadie. Eso si, lograron convencerlos para que les den suficiente dinero para solventar una miniserie con soldaditos. (que ya fue terminada y se llama "Panic in the village")

Y nos despedimos hasta el próximo mes, con uno de los pequeños gags que integra la serie. No olviden sacar a pasear a su perro, mientras tanto, sigan difundiendo la página! Saludos a todos!

"TIM TOM" Director: Romain SEGAUD y Christel POUGEOISE.

Tim Tom es otra creación de la nueva camada de animadores franceses, salidos tambien del Supinfocom.
En este caso la historia pasa por el encuentro imposible entre Tim y Tom, dos personajes puestos en escena, en diferentes esquinas, que intentan acercarse para darse un saludo.
Tienen la particularidad que sus rostros están dibujados sobre libretas.
El corto está bueno respecto a su realización técnica, la animación también paga junto con el caracter de los personajes. A mi entender la pifia está en que hay un montón de resoluciones ingeniosas (veanlas) que justamente por ingeniosas que son, están mas al servicio de realzar al autor que la historia y la interacción entre los personajes. Porque luchan contra una mano (creadora, la que los deposita en el escenario) pero por alguna razón (quien sabe cual) la mano creadora no quiere que los personajes se encuentren.

Pero empiezan a intervenir elementos que tienen que ver con el formato, el sonido y resoluciones que hacen pensar que los personajes tienen conciencia que son muñecos, que esto es una animación y de que están sobre un soporte digital. ¿Por qué? Por simple capricho, porque la historia no los lleva a darse cuenta de eso.
Imagen sino a los actores de una película que resuelven un conflicto (forzado en este caso y traido de los pelos) a través de los elementos que lo conforman. Desde el celuloide, hasta el color, pasando por el público, el fotograma y el montaje. Bueno, eso se llamó "novelle vague" y nada de eso hay acá.

Quizás esto me hizo repensarlo y verlo como un corto que podría haber sido aún mejor. De todas formas, para eso uno está estudiando y haciendo. Y dentro de lo que ellos hicieron, hay puesto mucho trabajo y un cuidado del cual es difícil conseguir a primera mano.

Hay mas cosas de ellos. Pougeoise se fue a trabajar para películas como "Valiant" y "Happy feet" y Segaud tiene un nuevo corto genial, del cual el tema lo conocía pero interpretado por Roberto Carlos (!?) Ah! Y no se podía pasar de largo: la música de este corto es de Django Reinhardt.

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"HASTA LOS HUESOS" Director: René Castillo

Cuando morimos,
no en verdad morimos,
porque vivimos, resucitamos,
seguimos viviendo, despertamos,
Esto nos hace felices ...
¿Acaso de verdad se vive en la tierra?
No para siempre en la tierra: sólo un poco aquí.
Aunque sea jade se quiebra,
aunque sea oro se rompe,
aunque sea plumaje de quetzal se desgarra,
no para siempre en la tierra: sólo un poco aquí."
(cantares mexicanos)

Este corto tiene mucho de la cultura mexicana respecto a la muerte y eso lo hace interesante para mi. Porque no se torna fatalista, aunque el tono del corto no es para descorchar shampagne, el personaje se tiene que hacer cargo de la realidad, quiera o no. No hay vuelta ni escape posible a la muerte (chocolate por la noticia) La iconografía popular mexicana apunta a eso, la muerte se vuelve representativa del pueblo como un habitante de culto. Sale a la superficie para que la adoren. Adoración que proviene de la época medieval, donde la iglesia católica comienza a predicar una "buena muerte" ante la llegada de la peste.
Mas antiguamente inclusive, uno de los pueblos que mas adoraban el culto a la buena muerte eran los aztecas:




Mas por estos tiempos, es interesante como también del otro lado de la civilización (es decir, polítcos y militares) buscan la bendición a sus balas y sus pistolas. Supongo que querrán matar con bondad (!?) Hoy en día, la iglesia católica está en contra de esta práctica ($$$) pero como siempre, tarde al asunto, hay mas de dos millones de personas adorando el culto pagano de la santa muerte :)



Si les interesa saber mas sobre esta celebración, aquí hay un escrito interesante al respecto.

Volviendo al corto en sí, aquí el autor:

¿Por qué te gusta la animación con plastilina?

René: Me gusta mucho el material, es muy noble, el contacto directo con las manos, me fascina tener un actor a disposición de mis dedos. La idea de darle vida a un personaje de una manera absolutamente artesanal. Me gusta actuar a través del personaje. Un animador es un actor y me tardé muchos años en entender esta concepción de la animación. Uno debe actuar a través de los personajes. Tomar la misma disciplina que toma un actor cuando dice “voy a interpretar a un personaje de esta manera”.

G: ¿Cuál es tu fuerte en la animación?

René: Creo que es una gran ventaja para mí el poder crear mis propios personajes. Yo escribo la historia, dirijo y animo. Yo dibujo mis personajes, los moldeo, me peleo con ellos y vivo con ellos, durante todo el proceso de una película me despierto pensando en ellos. Sin embargo en “Hasta los Huesos” invité a un chavo que se llama Luis Téllez a que trabajara conmigo en la animación. Fue la primera ves que trabajamos dos animadores y en la que también él participó en el diseño de los personajes. Esto fue increíble porque los personajes que hacía Luis, son personajes que yo no hubiera hecho, la manera en que los animó yo no lo hubiera hecho igual. Y esto enriquece la historia. Es como otro actor que llega, participa y hace crecer el proyecto. Para mí lo más valioso de este proyecto fue aprender de Luis y que Luis aprendiera de mí. Al final la película tomó un rumbo que no hubiera tomado si la hubiera hecho yo solo. Esa es la esencia del cine. No es un arte individual, sino de grupo. El rumbo que pueda tomar una película depende de la gente que se involucre en ella.

Al final, todo esto lo estoy transcribiendo sentado cómodamente en una silla frente al monitor, pero me falta el bar, los tequilas y bonitos esqueletos rodeándome. Quizás, si apagara esa luz podría suceder que....

¿A dónde iré?;
¿A dónde iré?
El camino de la Dualidad Divina.
¿Por ventura es tu casa el lugar de los descarnados?,
¿Acaso en el interior del cielo?,
¿O solamente aquí en la tierra es el lugar de los descarnados?.

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"TRIANGLE" Directora: Erica Russell

Lo primero que supe de ella es que no era animadora, nunca tuvo una preparación académica al respecto (lo cual en su caso hubiera sido lo peor que podía ocurrirle) pero lo que la terminó marcando a la hora de expresarse y mostrarse fue su infancia transcurrida en sudáfrica y su dedicación como bailarina. Neo-zelandesa, trabajos bonitos, por fuera bonita-------------------->

(complementa su trabajo, claro! :)

Vive en Londres (por si quieren pasar a tocarle el timbre) y aunque técnicamente son diferentes, no puedo dejar de emparentarla con Caroline Leaf. Mas allá de que ambas son mujeres, que pesa a la hora de tomar un punto de vista. Caroline tiene una cámara en su cabeza y Erica tiene lo que McLaren llamaba "lo que ocurre entre un cuadro y otro" Ambas entienden perfectamente como surgen, se forman, brotan y salen la fuerza que le da caracter a lo que hacen. Y pueden transmitirlo.
Erica Russell parece excedida todo el tiempo en ritmos, poses, bailes y sonidos. Excedida en su ambición de equilibrarlos. Sus trabajos son puras batallas coreografiadas, luchan frente a nosotros, con toda la carga sensual y sexual que provoca verlos. Estados primitivos en búsquedas permanentes.
Es en ese punto donde pesa su autoría. Ella se limita a dejar fluir y desviar las cosas hacia otro lugar cada vez que es necesario. Como quien despierta energias en todos los sentidos, trasladandolas al papel, conducidas de su propia mano (utiliza mucho lápiz y aerógrafo) hasta que las deja actuar por si solas, liberándose de su propio trabajo. Sin embargo, no es caótica, sus trazos son seguros y animados, en el que una sola linea de Erica Russell nos genera movimiento.

Visiten su sitio, donde pueden ver otros de sus trabajos, incluyendo "Soma", un corto que hizo inspirándose en la obra de Basquiat.

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"90 degrees" Director: Jules Janaud, Raphael Martinez Bachel, Francois Roisin

Este corto es el tipo de cosas en que me pregunto "¿Cómo cuernos lo hicieron?" En general te gusta algunas cosas mas que otras, cosas a corregir (de puro molesto que uno es, vió?) pero no encuentra nada para acotar. Y aunque lo tuviera, porque todo lo tiene (vieron, que molesto) no me interesa en lo más mínimo, porque me rindo y me dejo llevar por su recorrido, sus obstáculos, su representación en cajas, bloques, geometrías perfectas() . Sus cambios en cada movimiento, la caida de objetos, no dejan ni permiten avanzar, se eliminan, se fusionan, se evitan. Saltos. Bajadas y subidas. La desesperación por encontrarlo, tenerlo cerca y verlo escapar.

Jules Janaud, Raphael Martinez Bachel, Francois Roisin son estudiantes de la Supinfocom Valenciennes
y realizaron este corto con 3DS Max, RealFlow y After Effects.

Disfrutenlo!

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"EL CORTO INVITADO"
Hoy: "Gorgonas" Director: Salvador Sanz

"Escrito y dirigido por Salvador Sanz (creador de "El Inivisor") y producido por La Secta Edición, es un cortometraje de animación en el que se entremezclan elementos de la Mitología Griega, el género de terror y la ciencia ficción. Fue realizado con diversas tecnicas, como la animación tradicional (frame by frame), vectorial y cámara 3D, y los fondos fueron pintados a mano en acrilico." (de su sitio web)

Se agradece un nuevo corto de animación de género. Pocos? El ÚNICO?

¿Qué son las Gorgonas?

Comenzó como historieta en el mítico fanzine (¿qué dimension cobra "mítico" a esta altura?) "CATZOLE" y el mismo autor se encargó de readaptarlo para que cobre otra dimensión la historia. No pude contactarme con el autor (hago el llamado a la solidaridad!) pero sería interesante ver su punto de vista respecto a las cosas que consideró importantes a la hora de la adaptación, que otras importantes tuvo que descartar y ver un poco del proceso que tuvo que llevar a cabo. Porque de manera totalmente independiente, a lo largo de dos años, consiguieron terminarlo a un nivel que está a la altura de lo que pretendían contar, porque es complicado lograrlo teniendo en cuenta que son historias que requieren el manejo de muchos elementos que hacen a la trama del suspenso: enigmas por develar, vidas interrumpidas, conflictos sin resolver, cada uno aporta su propia variante y a su vez cada una termina ramificándose. Por eso también requerió que el autor tuviera que dirigirla. ¿Cómo mostrarlo? ¿De qué forma? ¿Cuál es la mejor manera?

***ficha de personajes***

Lo que me desconcierta, y seguro que ya lo saben, es el tema del tan poco cuidado que tienen las voces. ¿Qué ocurrió? Te despegan totalmente del corto porque no está al tono con el resto. Y viendo que apuntaron alto al tema imagen, no entiendo que pasó con eso. Una lástima, pero totalmente solucionable; grabenlas otra vez!

Aunque también gustaría por aquí que alguien aporte datos al respecto de los proyectos en los cuales están trabajando ahora. Quiero decir, jodanse, me vendieron algo bueno, ahora quiero más! :) Ya demostraron hacerlo en 14 minutos, una locura.
¡¡¡Genial!!!

2d_

***R*I*N*G***O*F***F*I*R*E***

**ANDREAS*** H*Y*K*A*D*E***

Alemán, nacido en Baviera en el año 1968. Animador independiente y profesor de arte y cine. La primera impresión que me causa su trabajo es que me gusta tanto su gráfica que me lleva a poder tolerar toda la carga opresiva que suele volcar en sus historias. Me encanta sus desbordes, pero me gustan aún más porque los sostiene en dibujos como este:



Hykade logra entrar con mucha mas profundidad que otro tipo de obras. Porque los dibujos son identificables rapidamente , porque parecen resoluciones sencillas a pensamientos complicados porque no existen como imagen a simple vista en la realidad. Todo se mezcla. Y en sus obras donde el color aparece primario y pleno, o como en este caso, diferentes rayados, formando diferentes grises y creando atmósferas mucho mas densas y oscuras.

Aparece el machismo, vinculado como siempre de una u otra forma a la educación, a la violencia, y al sexo. Su línea empieza a querer lastimar y cobra otra dimensión:

Uno nunca termina por saber cuanto de la atmósfera termina por influir en los personajes. Esa lucha constante contra su propia línea que quiere sintetizarlo todo. Pero sus personajes sobresalen por sobre ese tema menor. Se conflictúan, se contaminan unos de otros y pagan el precio por lo que se llevan, aunque sea un valor relativo. ¿Y un simple baño en aguas
limpias, con la mujer que acaba de lamer tus heridas, con la mujer a la que acabás de lamer sus heridas?

Ninguno de ellos seran lo que eran antes de partir. En esos términos, un mono con navaja puede resultar inofensivo y a la vez peligroso.
Me contaron que los personajes que rodean el burdel están basados en diferentes encuestas públicas sobre fantasías sexuales. Ya habrán visto el resultado de eso :) Por otro lado, me encanta la resolución que Hykade llega para interpretar el movimiento de sus dibujos. Siempre en relación a esa carga sexual que quiere transmitir. La profundidad de sus dibujos en dos dimensiones, que se despliegan en largas caminatas al burdel. El manejo de las armas, la gráfica de las manos, el funcionamiento de engranaje: las manos que giran como pieza. Moneda en el aire, botella en el aire, disparo, agujero en la moneda, que sirve para que encaje en el engranaje, que hace al muñeco de madera tocar una melodía.

Y el peso del cuerpo que la mujer utiliza, como placer y trabajo pero también como decisión tomada ante laprepotencia del hombre que intenta someterla. En su cuerpo su prisión pero también comienza su liberación.
Y falla el disparo.

Y sobrecargado este texto, sobrecargado Hykade. Por suerte, termina prevaleciendo su síntesis.
Y a favor también, termina haciendo cosas tan buenas como este último video de Die Toten Hosen.

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"Aru tabibito no Nikki" Director: Kunio Kato

"La persistencia de la visión o retiniana es un fenómeno del ojo que hace que cualquier imagen vista se grabe en la retina por un corto tiempo (de aproximadamente 0,1 segundos). Por ejemplo, al colocar un objeto frente a la vista y retirarlo rápidamente, cualquier persona que estuviera mirándolo lo seguirá viendo, porque el cerebro retiene la impresión de la luz. Esta impresión es notoria al mirar por un momento una fuente de luz como el sol y luego apartar la vista."

"El diario de Tortov Roddle" comienza el viaje al cerrar nuestros ojos. Retiene en nuestra
mente recuerdos, detalles, acciones, personas, que se manifiestan cuando menos lo esperamos y
de las maneras mas insospechadas.
Observa con otros ojos y por momentos despierta.
Su mirada parece estar a otro nivel, espera desde arriba y contempla el lugar exacto a donde quiere llegar.
Y fue en ese preciso momento cuando las imágenes se mezclaron en su retina, traídas de lugares fantásticos y en pequeñas distorsiones que partieron de su mente. Coreografiaban la realidad y su pensamiento. Y cuando dió el acto por terminado, volvió a lo mismo de siempre: la práctica de su silencio mágico. Porque nadie mas fue testigo de lo que Tortov Roddle vió.


Y nosotros, espectadores afortunados, observamos al mago.
De mascota un cerdo, de amigo un payaso, y de la recolección de manzanas a los sonidos que acompaña cada momento virado al verde.
El trazo del lápiz que pasa caminando entre bosquejos del autor.

Poco se sabe de Kunio Kato, sus cortos son mudos y su sitio está en japonés.

¿Alguien sabe algo más de él?

Realizó trabajos para Mtv y esta obra formó parte de una serie de entregas de su sitioweb, en
formato flash. Luego fue recopilado en un dvd, que también lo integran dibujos suyos y un
puñado de cortos sueltos, también de su total autoria.
Prolijo hasta en los sonidos, respira en puro, acompañado por
acordeones, flautas y más aire.
Exala: me gustaria saber que estará dibujando en este momento.


Fue grato descubrirlo, perdido, coherente como su personaje, viajando mucho poco se lo ve, aqui se queda un largo rato.
Recordar: retenerlo para cuando desaparezca, a donde vaya saber quien.
...................es él------------------->

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¡BUENAS, BUENAS!

De vuelta por aquí, este mes se han presentado un par de problemillas con video google. Uno con el corto de "Roller CoasterRabbit" y el otro con el publicado este mes "Triangle" de Erica Russell. El primero fue rechazado por violar los derechos de autor (perdonen por estar compartiendo animación sin fines de lucro!) y el segundo por pornográfico (!) No hace falta aclarar mucho, mejor veanlo desde mi servidor! Calificarlo de pornográfico como algo malo es digno de un señor empleado que debe juzgar contenidos con un criterio de por lo menos, mucha confusión! De todas formas, NO es pornográfico!

Por esta pasada se podrá ver:

*** "El diario de Tortov Roddle" de Kunio Kato, algo así como ver
fijamente una taza hasta que un pescado salga a la superficie.

*** "Ring of Fire" de Andreas Hykade y una historia de cowboys en un
pueblo de literales apariencias sexuales

*** En el corto invitado: "Gorgonas" de Salvador Sanz

*** "90 degrees" de Jules Janaud y Francois Roisin: estar lejos,
cerca, muy cerca pero lejos y aún más lejos de recuperar tu propio
rostro

*** "Triangle" de Erica Russell: danzas y bailes africanos delineando
formas que se fusionan, confunden, enfrentan y se personalizan en
plena batalla

*** "Hasta los huesos" de René Castillo, no le creo a nadie de la
producción de tim burton que diga que no vió este corto antes de hacer
"Corpse Bride"

*** "Tim tom" de Romain Segaud y Christel Pougeoise, una historia
desencontrada de amigos con cara de bloc de notas

*** Y para terminar el mes les presentamos "Pic Pic André Shoow", de
Vincent Patar y Stéphane Aubier: dándole una vez mas, una vuelta de
tuerca al humor de Tex Avery.


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Recuerden que pueden mandar su corto, hasta 10 megas de compresión, a:
kinetoscopioblog@gmail.com para la sección "El corto invitado"

"Roller Coaster" Roger Rabbit -Director: Rob Minkoff

Y para despedirnos, un clásico no tan difundido como debería. Cuando se estrenó "Who Framed Roger Rabbit" (que merece un post aparte en un futuro no muy lejano) se realizaron tres cortos animados que se fueron estrenando sucesivamente antes de comenzar la película del momento de la factoría Disney.
Estos cortos fueron realizados al estilo clásico de los viejos cartoons de la Warner
Y de los tres, a mi criterio este es el mejor, la sensación de haberlo visto en el cine, podrán imaginar al verlo ahora, fue lo mas parecido a vivir aquella época de estrenos dorados de los cartoons.

Pero "Roller Coaster" no se queda en el revival, porque al implementar el 3d en el movimiento de cámaras ayuda a potenciar las alturas, las caídas libres, la sensación de velocidad en la montaña rusa y la ubicación del personaje en perspectivas imposibles, deformando la visión del lente y dilatando el suspenso.
La caída desde la montaña rusa, como si estuvieramos en el carro, sigue siendo adrenalina pura. No solo por el efecto en sí, que ya se ha visto muchas veces, sino por como se envuelven las vías por los costados, formando un espiral imposible.

El encargado de dirigirlo es Robert Minkoff, que la gran mayoría asociarán a la saga de "Stuart Little", pero que ya venía de sobrada experiencia en Disney y dirigió la última gran película de los estudios, luego de su estrepitosa caída. También animó en el corto "Family Dog" de la saga "Amazing Stories". El tipo hizo de todo, no solo anima y dirige sino que también compone canciones (bueno, nos torturó en "Oliver and Company", tampoco es para hacer mucho alarde :)
Pero el "tapado" del corto es Kelly Asbury, responsable de la dirección de arte. Ilustrador, trabajó mucho tiempo en el diseño de los storyboards, y encargado de que también hayan funcionado películas como "The Nightmare Before Christmas" o "Toy Story".

Un placer para los sentidos, Roger Rabbit rankea alto. Una lástima que no se siguieron haciendo cortos, los rumores dicen que en parte fue por culpa de este corto, que fue censurado en algunos cines de los Estados Unidos y sobre todo por la presión que ejercía la propia Disney para que no fuera "tan violento". Bah! Apestosos, después terminan siendo mas violentos con su política de seguir haciendo porquerías como Bambi 2.

En fin, abrochense los cinturones, que aqui vamos... ¡Nos vemos el próximo mes!

*Gracias a Atilio Millán por la info!

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